Marlene Dumas est une des peintres les plus influentes de l'art contemporain. Elle nous confronte et nous séduit avec ses motifs expressifs figuratifs. Pour la première fois, elle joue le rôle de conservateur et nous présente l'oeuvre d'Edvard Munch dans un dialogue avec ses propres travaux.

L'exposition itinérante "Le Modernisme et les fleurs. De la nature à l'architecture " est consacrée à la représentation de plantes et de fleurs appliquées à la construction à travers les arts décoratifs du Modernisme. Pour la première fois, une exposition établit un dialogue entre le monde végétal et l'architecture moderniste. Le discours de l'exposition est structuré en quatre domaines. Dans le premier, on explique le processus créatif que suivaient les artistes pour "capturer" les images des fleurs. Dans le second, on effectue un parcours à travers huit arts appliqués à l'architecture- céramique, mosaïque, fer, pierre, stuc, mosaïque hydraulique, vitrail et plâtre- et leurs processus de création. Dans le troisième, une promenade d'exposition de fleurs et de plantes qui recréent un jardin géant et immuable. L'exposition se termine en posant la question de la difficulté de la conservation des arts appliqués à la construction.

Fàtima López et Marta Saliné, docteurs en Histoire de l'Art et membres du groupe de recherche GRACMON de l'Université de Barcelone, sont les commissaires de l'exposition.

L'exposition "Toulouse-Lautrec et l'esprit de Montmartre" montre la trajectoire de l'artiste pendant sa vie à Montmartre, partagés avec les artistes de la bohème et de l'avant-garde, qui reflète une période essentielle pour le développement de l'art moderne.

L'Art nouveau marque une étape importante dans la création des papiers peints et étoffes. Dans les intérieurs Art nouveau, tant Victor Horta que ses contemporains affirment le concept d'art total et révolutionnent les arts appliqués, abolissant la hiérarchie entre les différentes expressions plastiques. Originalité des motifs, complexité des savoir-faire artisanaux. L'exposition redonne à ce patrimoine fragile la place qui lui est due dans l'histoire des formes.

L'Institut Mathindenhöhe Darmstadt célèbre le 150e anniversaire de la naissance du grand duc Ernest-Louis de Hesse et du Rhin avec une exposition dans la maison Ernst Ludwig, qui est actuellement le siège du musée de la colonie d'artistes. L'exposition présentera l'œuvre créative du grand duc qui fit montre d'un grand talent dans de multiples disciplines. C'est la première exposition de ce genre qui est organisée et on pourra y voir une compilation des poèmes, des compositions musicales, des œuvres de théâtre, des aquarelles et des projets philanthropiques du grand duc, en plus de ses activités de relations publiques. L'exposition illustre ainsi la maxime souvent citée d'Ernest Louis: "Ayez du respect pour le passé et le courage de vous aventurer dans la nouveauté".

The Maricel Museum presents the central exhibition of the centenary of the Maricel. It is a portrait of the process of design and construction of a singular building, which at the time of its inauguration caused a significant impact in the cultural circles of Catalonia.

Elza Kastl Obereigner est née à Ljubljana le 26 avril 1884. Bien qu'elle soit généralement plus connue pour ses portraits, on la connaissait à Ljubljana comme "la dernière miniaturiste slovène". L'exposition temporaire qui est actuellement présentée au musée de la ville de Ljubljana se centre sur son œuvre sculpturale. L'exposition est accompagnée d'un catalogue.

Majorque participe également à la commémoration de l'AnyJujol140 avec l'exposition "Jujol a la Seu". L'exposition, qu'on pourra visiter à la cathédrale de Majorque jusqu'au 7 avril 2019, a pour objectif de faire découvrir la figure de l'artiste Josep Maria Jujol, et en particulier sa participation à la réforme liturgique menée à bien par Antoni Gaudí dans la cathédrale au début du XXe siècle.

"Gauguin: Un voyage spirituel " est la première exposition du FAMSF consacrée à l'oeuvre Paul Gauguin (1848-1903).
L'exposition explore deux thèmes centraux de sa carrière: les relations qui ont donné forme à sa vie et à son œuvre, et sa quête pour comprendre la spiritualité, à la fois la sienne et celles d'autres cultures qu'il rencontra. Plus de soixante oeuvres de Gauguin seront exposées -allant des peintures à l'huile et doeuvres sur papier, aux sculptures sur bois et à la céramique- à côté d'oeuvres des îles du Pacifique de la collection du FAMSF. Combinées, ces œuvres incluent des phases distinctes de la carrière de Gauguin pour montrer le développement de ses idées, la portée de sonoeuvre, et l'inspiration qu'il trouva en Nouvelle Zélande, aux îles Marquises et à Tahiti.

Le musée national à Cracovie commémore le 110e anniversaire de la mort de Stanis?aw Wyspianski avec l'exposition "Wyspianski".  L'installation présente plus de 900 œuvres de cet artiste remarquable et multi-facettes de Pologne au tournant du 20e siècle. Wyspianski était un grand poète et peintre, auteur de théâtre, styliste, dessinateur, réformateur du théâtre, graphiste et scénographe.

Aujourd'hui, presque personne ne sait qui elles sont, même si elles ont créé une part de l'histoire de l'art: des artistes comme Elena Luksch-Makowsky, Helene Funke, et Erika Giovanna Klien ont contribué de manière significative à l'Art nouveau viennois et aux tendances artistiques qui se sont manifestées après la Première Guerre Mondiale. Pour commémorer ces artistes, leur art, et leurs conquêtes émancipatoires, une rétrospective qui leur était due depuis longtemps a maintenant lieu au Lower Belvedere.

L'exposition "Cracovie 1900" raconte l'histoire de la ville au tournant du 20e siècle -la Cracovie de la Belle Époque.

Le Musée National d'Art de Catalogne (MNAC) avec la collaboration du Musée d'Art de Nagasaki et le quotidien "Kobe Shimbun", organisent 
L'exposition "Barcelone. La ville des miracles artistiques. L'essence de l'art moderne catalan du Modernisme aux Avant-gardes" que l'on pourra visiter dans cinq musées et galeries du Japon, présente près de 150 œuvres provenant d'importants musées et collections d'Espagne -dont 60 appartiennent au fonds du MNAC. À travers les œuvres d'artistes comme Ramon Casas, Santiago Rusiñol, Isidre Nonell, Joaquim Mir, Ricard Canals, Antoni Gaudí, Puig i Cadafalch, Josep Maria Jujol, Gaspar Homar, Juli González, Joaquim Torres García, Joaquim Sunyer, Josep Clarà, Xavier Nogués, Manolo Hugué et Pablo Gargallo, entre autres, l'exposition explique la grande évolution de la ville à partir de la deuxième moitié du XIXe siècle et au début du XXe.
À partir du 29 juin et jusqu'au 1er septembre 2019, on pourra visiter l'exposition au Musée d'Art de Himeji. Ensuite, elle voyagera à Sapporo et Shizuoka et finalisera son parcours à Tokyo en avril 2020.

Pour plus d'information sur l'exposition et les dates de son parcours (disponible en anglais) cliquez ici.

L'exposition "Chapeau! De Casas et Picasso à Balenciaga et Pertegaz" est consacrée aux chapeaux et à tout ce qu'ils ont représenté à un moment donné, mais c'est surtout un regard esthétique sur une des pièces de vêtement les plus fascinantes de la première moitié du XXe siècle, même si son existence remonte à des siècles antérieurs. Théoriquement, il s'agirait de la première exposition à caractère historique, rétrospective et monographique, sur le thème des chapeaux jamais réalisée en Catalogne et dans le reste de l'Espagne.

Pour consulter les activités parallèles autour de l'exposition:
https://www.fundaciopalau.cat/event/els-diumenges-de-la-fundacio-palau-vine-a-fer-el-teu-barret/

L'exposition présente 47 œuvres d'artistes de premier plan des XIX et XXe siècles avec Fortuny, Rodin, Klee, Matisse, Picabia, Picasso, Dalí et Miró.

À l'occasion du triple anniversaire de la Maison de l'architecte Victor Horta: 100 ans après la vente de l'édifice, 50 ans après son ouverture et 30 ans de restauration, le musée Horta présente trois expositions inédites mettant en lumière la facette encore inconnue de Victor Horta en tant que collectionneur. Les trois expositions: "dans l'histoire du musée", "La maison Horta" et "L'atelier et l'extension" sont présentées simultanément dans les trois bâtiments du musée.

La National Gallery présente la première exposition de Sorolla, l'impressionniste espagnol, qui a lieu au Royaume-Uni depuis plus d'un siècle. Connu comme le "maître de la lumière" de par ses toiles iridescentes, il s'agit ici d'une excellente opportunité pour voir l'exposition la plus complète des toiles de Joaquín Sorolla y Bastida (1863-1923) à l'étranger.

Le musée Leopold consacre une des rétrospectives les plus complètes jusqu'ici à Oskar Kokoschka (1886-1980), qui fut surnommé le "chef sauvage" parmi les artistes. Présentant près de 260 œuvres, dont certaines oeuvres clef de collections internationales, ainsi que d'autres rarement vues auparavant, l'exposition se centre sur le travail multifacétique de Kokoschka de toutes les périodes de son oeuvre créée dans différents lieux d'activité, y compris Vienne, Dresde, Prague, Londres et enfin Villeneuve.

This major exhibition brings together 45 works by Vincent van Gogh to reveal how he was inspired by Britain and how he inspired British artists.

La couleur bleue définit le caractère spirituel et esthétique de l'art entre les deux siècles, et représente un lien poétique entre les phénomènes de la nature et les états d'âme.
Une fois la période d'exposition à Séville terminée, on pourra voir l'exposition dans deux autres villes espagnoles.

L'exposition aujourd'hui présentée à Liverpool est une exposition itinérante organisée en 2018 pour célébrer le 150e anniversaire de la naissance d'un de ses plus grands fils, l'architecte, designer et artiste Charles Rennie Mackintosh.
La pièce maîtresse des célébrations de la ville a été l'exposition temporaire des musées de Glasgow acclamée par le public, "Charles Rennie Mackintosh - la fabrication du style Glasgow " à la galerie d'art et musée Kelvingrove. Si vous l'avez raté à Glasgow, alors n'ayez crainte, il y aura des opportunités pour la voir en tournée : d'abord à Liverpool, et à travers les États-Unis dans les années à venir.

Pour plus d'information sur la tournée américaine: www.amfedarts.org

L'exposition itinérante "Le Palau dels Artesans" vous permet de découvrir, à travers les photographies de Ramon Manent, les formes uniques, les pièces et les structures cachées dans chaque pièce et coin de ce palais urbain construit par l'architecte Antoni Gaudí à la fin du XIXe siècle.

La conférence explorera les interactions de Ruskin, son influence, et son héritage pour le monde des musées et l'éducation artistique.

L'exposition montre l'influence d'Antoni Gaudí sur l'oeuvre de Miró à travers un ensemble de gravures Serie Gaudí, 21 pièces de différentes tailles présentant des personnages fantastiques qui lui permirent de lui rendre hommage au milieu des années soixante-dix. Miró s'intéressait au rythme et à la structure de l'architecture de Gaudí et partagea avec l'architecte le questionnement des procédures et les matériaux d'expression ainsi qu'un lien profond avec la nature, génératrice des ses créations. Le traitement de la couleur, et l'utilisation de la courbe dans les gravures rappellent la technique du trencadís, réalisée avec des morceaux de céramique réutilisés, caractéristique de l'oeuvre de Gaudí.

Cette exposition se propose de récupérer l'oeuvre d'un peintre catalan qui connut un grand succès sa vie durant, mais qui avec le passage inexorable du temps a été oublié par les différentes générations d'historiographes.

L'exposition propose un parcours à travers l'oeuvre d'Antoni Fabrés i Costa (1854 - 1938), sculpteur et peintre, qui à l'âge de vingt-et-un ans et alors qu'il était encore élève de l'Escola Llotja de Barcelone, gagna une bourse pour partir à Rome, ville qui à l'époque était la destination naturelle pour les artistes remarquables. Il arriva là-bas un an après la mort de Mariano Fortuny, et se consacra au dessin, à la peinture et à l'aquarelle, trois techniques qu'il domina comme personne à son époque.

Pour commémorer le centenaire de la fondation du Bauhaus, l'Institut Mathildenhöhe présente une exposition qui jettera un éclairage sur l'importance du Bauhaus et de l'architecture après la Deuxième Guerre Mondiale. L'exposition en 1901 réalisée par la colonie d'artistes de Darmstadt fut la première exposition permanente d'architecture moderne dans le monde et elle influença de nombreux projets de planification urbaine et d'expositions depuis cette époque. C'étaient principalement les membres de la colonie Joseph Maria Olbrich et Peter Behrens qui présentèrent de nouvelles idées à Darmstadt à travers leur design holistique et leur architecture futuriste, qui furent à leur tour développés par le Werkbund, qu'ils cofondèrent ensemble, et finalement par le Bauhaus. Ce n'est pas un hasard si les directeurs du Bauhaus, Walter Gropius et Ludwig Mies van der Rohe, travaillèrent tous deux dans le studio de Peter Behrens au tout début de leur carrière et qu'ils furent les témoins de comment l'architecte utilisa un design créatif, artisanal et une fabrication à grande échelle. Après 1945, l'héritage de la colonie d'artistes de Darmstadt inspira la ville détruite par la guerre à se reconstruire comme un centre d'architecture moderne et de design et ces initiatives conduisirent à la construction de plusieurs "Meisterbauten" (Chefs-d'oeuvre de création architecturale) conçues par des architectes de renom tels que Max Taut, Otto Bartning et Ernst Neufert.

Cette installation est la première rétrospective sur le continent européen d'Harald Sohlberg (1869-1935),  l'artiste peintre norvégien, en honneur du 150e anniversaire de sa naissance. Sohlberg, qui fut un contemporain et un ami d'Edvard Much (1863-1944), est plus connu pour son chef-d'œuvre Nuit d'hiver à Rondane, produit entre 1899 et 1914. Cette peinture captive aujourd'hui encore l'âme des Norvégiens et a été élue comme la peinture la plus populaire dans le pays par ses habitants dans les années 1990. Cet icône de l'art norvégien, qui n'a jamais été prêté depuis son acquisition par le Musée National à Oslo en 1918, sera exposé à Wiesbaden.

Helene Schjerfbeck (1862-1946) est une icône nationale finlandaise. Du style naturaliste de ses débuts  - perfectionné pendant ses études en France- à ses autoportraits hautement abstraits, cette exposition présentera Schjerfbeck au public britannique pour la première fois.

Le 3e symposium sur Egon Schiele aura lieu le 10 novembre prochain entre 10 et 17 heures.

Entrée gratuite. Il faut s'inscrire avant le 4 novembre 2019.

GRAGMON organises the International Symposium on the final project Between cities: Cultural Landscape, Scenes and Identities (1888-1929).

Free  entrance. No previous registration required.

La nouvelle exposition numérique de l'Atelier des Lumières propose une immersion dans les toiles de Vincent van Gogh. Épousant la totalité de l'espace de l'Atelier, cette nouvelle création visuelle et sonore retrace la vie intense de l'artiste tourmenté qui peignit pendant les 10 dernières années de sa vie plus de 2000 tableaux, aujourd'hui dispersés à travers le monde.

With 98 works on display by 68 artists, the exhibition seeks to analyse not only the place that pastel holds compared to traditionally venerated oil painting, but also the reasons that led different artists in the 19th and 20th centuries to turn to and reclaim this medium. Divided into 10 chronological sections, the show highlights the key moments and crucial figures in the rebirth of pastel during the first iteration of modernity, a time when this technique came to be considered an art in its own right.

La couleur bleue définit le caractère spirituel et esthétique de l'art entre les deux siècles, et représente un lien poétique entre les phénomènes de la nature et les états d'âme.

La première exposition itinérante "Charles Rennie Mackintosh: la création du style Glasgow"  sera la première exposition aux États-Unis pas seulement pour montrer l'oeuvre fondamentale de Charles Rennie Mackintosh ( 1868-1928). Cette exposition révèle la relation entre l'artiste le plus étroitement aligné avec le style Glasgow et la ville, représentée à travers la richesse extraordinaire qu'on trouve dans les collections de citoyens de la ville.

Avec des affiches et peintures, sculptures, meubles et céramiques, l'exposition illustre l'extraordinaire épanouissement artistique et artisanal qui a bouleversé et changé le goût décoratif au début du xxè siècle.

L'exposition dont le commissaire est le Musée d'Art de Cerdanyola, avec la collaboration de la Fondation Joan Abelló, propose une approche à la thématique du nu masculin, dans une perspective féministe revendiquant l'égalité de genre et la diversité d'identité de genre, sexuelle et affective.

Dans le cadre de la Saison viennoise à la Cité, découvrez Otto Wagner, figure majeure de la scène architecturale européenne du tournant des XIXème et XXème siècles. Ses réalisations autant que ses écrits ont largement contribué à l'émergence d'une " architecture moderne".

L'exposition finale du Munch Museet, avant que le musée ne s'installe dans son nouvel édifice, présente pour la première des oeuvres de toutes ses collections. Il s'agit de la dernière opportunité de visiter le musée Munch dans son bâtiment iconique depuis 1963.

L'exposition comprend des oeuvres célèbres de Munch comme Le Cri, Madone, Nuit étoilée, Le Baiser et d'autres joyaux d'artistes comme  Amaldus Nielsen, Harriet Backer, Ludvig Ravensberg, Teddy Røwde, Jakob Weidemann et Johan Berner Jakobsen.

Cette exposition explore les modèles aux couleurs vives de Tiffany et leur rapport avec les mouvements émergeants d'arts et métiers du début du XXe siècle. À travers la présentation dynamique, illuminée de 20 des lampes de verre teinté, de bureau et sur pied, "Tiffany en fleurs" introduit les visiteurs dans l'univers magique créé par Tiffany avec des centaines d'éclats de verre et le "nouveau" pouvoir de la lumière électrique. Des photographies de cette période et des récits de ses artisans fournissent également une vision de l'atelier et du magasin de Tiffany.

L'exposition  souhaite présenter Otto Prutscher (1880-1949), soixante-dix ans après sa mort, dans les multiples rôles qu'il a joué pour le développement de la modernité viennoise. Prutscher était un architecte designer et un designer qui utilisa tous les différents types de matériaux des arts appliqués, un créateur d'exposition, un enseignant et un membre de tous les mouvements artistiques importants de réforme allant de la Sécession au Wiener Werkstätte et au Werkbund.

À l'occasion du 70e anniversaire de la mort d'Otto Prutscher, l'exposition souligne l'importance de son œuvre pour le développement de l'Art nouveau viennois.
L'exposition est consacrée à Josef Hoffmann (1870-1956) en association avec Otto Prutscher (1880-1949). Pruschler, comme Hoffmann, était architecte et designer; il maîtrisait tous les matériaux utilisés dans les arts appliqués. C'était un designer d'expositions, un professeur et un membre des mouvements artistiques de réforme les plus importants, de la Sécession aux Wiener Werkstätte et au Werkbund.

Cette exposition présente une sélection ample et variée des toiles d'Anglada Camarasa, avec l'idée de montrer l'ensemble dans une vision personnelle et romantique qu'évoque cette disposition du musée du port de Pollença. Une opportunité unique pour découvrir l'œuvre d'Anglada-Camarasa à travers une proposition d'exposition différente de celle que présentait le CaixaForum jusqu'à maintenant.

Cette présentation nouvellement conçue de la collection créée un tableau opulent qui permet une vision unique, riche et complexe de la fascination exercée par Vienne autour de 1900 et l'atmosphère de cette époque vibrante. Comprenant près de 1300 oeuvres distribuées sur trois étages, l'exposition semi-permanente présente la splendeur et la richesse des accomplissements de cette époque à travers des chefs-d'oeuvre du musée Leopold, ainsi que de prêts permanents éminents de collections autrichiennes et internationales.